Adom Tetteh °!°
Adulphina Adulphina Imuede I am inspired to create works that are inspired from who i am first of all and my environment, it's happenings, it's people and experiences.
Akinwolere Muyiwa
Alfredo Caranguejo
Álvaro Macieira
Andrea Finck Andrea Finck, 1960 in Hamburg geboren, ist über ihren Beruf als Archäologin zur Kunst gekommen. Die vielen bildlichen Darstellungen der Antike inspirierten sie, eigene Kunstwerke zu schaffen. Seit 2006 zeigt sie ihre "Freie Malerei" sowie ihre Radierungen regelmäßig in Gruppen- und Einzelausstellungen. Die Künstlerin und Archäologin setzt sich gern für nachhaltige Projekte ein. So stehen ihre neuen Landschafts- und Pflanzenbilder letztlich im Zeichen des Schutzes und Bewahrens von Natur- und Kulturlandschaften. Für das Afrika-Projekt der RE-Art-Halle in Ihlienworth fließen zusätzlich verschiedene archäologische Komponenten dieses vielfältigen Kontinents in ihren Bildern ein. Andrea Finck ist Mitglied des Stader Kunstvereins, sowie des Münchner Kunstvereins Kunstrefugium e.V.. Weiteres über: www.andreafinck.de
Anja Seelke Anja Seelke Der Mensch ist das Thema meiner Malerei. Der Körper als die Außenseite der Innenwelt – das ist es, was mich fasziniert. In welchen Beziehungen steht eine Person zu anderen, zum Raum, zu sich selbst? Ich hatte Literaturwissenschaft und Sozialpsychologie studiert, später journalistisch und bildhauerisch gearbeitet, bis ich entdeckte, daß die Malerei für mich die adäquate Ausdrucksform ist. Das menschliche Porträt hat mich von Anfang an beschäftigt und blieb eine Konstante. In ihm verbindet sich Kunst mit dem Leben und gewinnt gesellschaftliche Relevanz. Es bedeutet mehr, als nur Typisches oder Charakteristisches zu erfassen. Der oder die Porträtierte öffnet sich einem fremden Blick. Porträtieren heißt kommunizieren. Als diesjährige Stipendiatin und Stadtschreiberin im nahegelegnen Otterndorf habe ich das Thema ‚RE-ART meets Africa’ als Möglichkeit zur Auseinandersetzung direkt vor Ort aufgefaßt. Ich wollte wissen, welches Bild entsteht, wenn man genau hinsieht und sich einläßt. Ich nahm Kontakt zu einem jungen Mann aus Afrika auf, der seit 4 Jahren in Hadeln lebt. Sein Weg führte den damals 17jährigen aus Eritrea am Horn von Afrika durch den Sudan und die Sahara über Libyen und das Mittelmeer 2014 schließlich nach Deutschland. Die Flucht liegt zwar hinter ihm, doch die Erfahrungen existentieller Bedrohung haben sich eingeschrieben. Aus dieser Begegnung entstand – eigens für die RE-ART 2018 – das Bild „Zyade nebere/Porträt eines Überlebenden“. Ausstellungen u.a. in Bremen, Hamburg, Berlin, Stade, Cuxhaven, Freiburg/Elbe, Celle, Salzwedel, Glückstadt, Husum, Bad Heiligenstadt. Anja Seelke lebt und arbeitet in Stade. Mit ihren „Lesungen vor Porträts“ stellt sie historische Personen und wahre Begebenheiten auf bisher ungesehene Weise vor. Liebe contra Staatsräson – Sophie Dorothea von Hannover und Philipp Christoph von Königsmarck. Lesung vor Porträts. Theodor Storm und das Eigenleben der Bilder. Lesung vor Porträt. www.anjaseelke.de
Atacora Youss Youss Atacora, 1988 in Djougou in Benin geboren, begeisterte sich schon von klein an für die Kunst. Aus einer muslimischen und königlichen Familie stammend, haben seine Eltern sich gewünscht, dass er Schweißer wird. Gezwungen durch die Eltern hat er diese Ausbildung erfolgreich beendet. Atacora, der heute seine Leidenschaft lebt, hat seine Karriere als Künstler 2006 gestartet. Seine Kunst wird geprägt durch die Geschichte Afrikas und ihren Persönlichkeiten, die er auf kleine Kartons malt, sowie auch in großformatigen Popart anmutenden Porträts auf die Leinwand bringt. Aber nicht nur jene afrikanischen Symbolträger sind sein Thema, sondern Menschen aus aller Welt, deren Lebensgeschichte ihn ebenfalls berührt hat. In expressiven Farben entwickelte er seinen eigenen Stil, den er „realisme stupide“ nennt, oder auch als „La folie du réal“ (den Wahnsinn des Realen) bezeichnet. Seine Werke erzählen von der Unsterblichkeit.
Bärbel Kock "Gerade jetzt muß sich jeder Europäer betroffen fühlen und sich für Afrika und seine Menschen einsetzen."
Bassi Artists of all countries, unite !
Bernard Matemera
Brian Nyanhougo
bukowski Alltägliche Dinge sind, obwohl für eine kurze Nutzung konzipiert, oft aus Materialien von großer Haltbarkeit und für eine starke Beanspruchung hergestellt. Das Projekt WildPETs ist 2017 aus diesem Paradoxon entstanden. Die in den Plastiken MORPHE, ICHTHYOB, MANUK und NÄHRENDE verwendeten Materialien stammen alle von ausgedienten Kunststoffwaren, die vorher im Haushalt, als Lager- und Transportbehälter benutzt wurden. Durch die Beteiligung ambitionierter "Sammler" findet sich so das Plastik – in diesem Status der Wertkette als Müll zusammen, wird oft von ihnen selbst gereinigt und sortiert, um sich dann durch meine Bearbeitung formal wie inhaltlich zu wandeln.
Carlos Fornasini
Caroline Laengerer Das Spiel mit dem Sinn und Eigensinn des Materials, Möglichkeiten und Grenzen, installieren, mischen, pressen, bemalen, entfremden bis zur künstlerischen Umsetzung, die mit Assoziationen zum jeweiligen Material einher geht.
Claudia Domeyer
Claudia Hansen
cuxKUNST
David Wachania
Elisabeth Polhammer Raku - Keramik - Art
Eugen Schütz
Euwitt Nyanhougo
Fato Wheremongar
Frank Ross Frank Ross Born 1955 - Western Cape About the Artist Known to all but his family as Frank Ross (having kept the name “Adonis” for his mother and immediate family), Adonis Frank Ross is a true son of the Boland agricultural and wine growing region that lies to north of Cape Town. Frank is no stranger to hardship and had to leave school to work and contribute to his family’s income, only completing his junior certificate by studying part-time classes while working. Frank entered the workforce as a casual labourer at a local factory making fish tins. Over the years Frank was trained and later promoted to middle management. Then in 1989, the factory was taken over by a large multi-national and Frank was one of four long-standing managers laid off. With a big smile he appreciates the irony of having worked in a tin factory and now using scrap metal tin as a material in his artworks. A ‘Springbok’ and long distance runner, Frank’s father, Solomon Ross, remains a role model for Frank’s own life, and trained him at an early age to run marathons and adhere to a firm set of principles that would help him survive many years of hardship. When Frank was retrenched he used his retrenchment money to set up a barber shop which he operated successfully until 1994, when strict requirements for operating a barber shop were introduced and his business became unviable. The loss of his business and livelihood caused Frank considerable distress. “I would lie awake at night and think about the losses and what could I do and I thought ‘I can paint!’”. His confidence and his talent was soon recognised by his art teacher, Mr. Ronnie Hendricks, and with encouragement from his friends and family Frank took odd jobs gardening and helping out where he could so that he could paint at night and have enough money to pay for painting materials. Frank gained most of his knowledge from associating with other established and emerging township artists. He patiently spent hours observing them working, and dedicated substantial time to viewing other artists’ works in galleries. Acclaimed South African artist Selwyn Pekeur fondly recalls Frank’s visits to his studio, and recalls him observing and asking questions late into the night before running the long distance back home to continue working on his own art. Frank has a wide circle of friends and family and spends time with other South African artists. Despite his lack of formal art training he has an inherent appreciation for other artists’ works. Frank’s home contains a collection of some fine examples of South African art, many of which he has received in exchange for his own works direct from fellow artists or gallery owners. Style and Format Frank’s use of colour in producing township art is bold, direct and deliberate. The colour red is deeply symbolic to him. “I always paint the land in red. The red symbolises the unhappiness from our land. There is always trouble. Our people have many problems with land. There is ongoing political trouble.” The light reflects off the metal tin roofs, encouraging closer scrutiny of the detail in the artwork. The shining colours highlight the various materials used in construction of dwellings and shops; the brightly coloured clothes drying in the wind over walls and on makeshift washing lines; the dust from the local soccer match and the sounds of daily life in the Township come alive. Occasionally the iconic Table Mountain is silhouetted in the background as one is drawn into the energy and vibrancy of South African Township life as captured by Frank’s rough and honest artworks. Humbled by Frank’s refined talent and expression, the eye of the admirer is drawn to the subtle messages contained in each of his works. To many born outside the Township, it seems that not even hope can survive in this squalid environment. Yet open expression of hope and dignity is exactly what prospers and drives people in the Townships to improve their lives and those of their children. Normally we look to privacy to support our own pride and reinforce our sense of self-worth. In Township life this is the opposite – there is no privacy, but there is hope, respect, fervent religious zeal and an overwhelming sense of community and sharing of hardships – all contributing to the spirit of survival and upliftment which is so important to progress. Frank’s love of art, coupled with his life history and strong religious convictions, have provided him with a perspective on township life unique amongst South African artists. He is able to draw on the Township’s mix of brand labels, squalor and service breakdown to produce a non-judgemental ‘record of progress’ in his township art. Exhibitions • Kuaba Gallery - United States of America 2005 • Alfred Mall Gallery, Alfred Mall, V&A Waterfront - Cape Town 2006 • Vineyard Gallery Franschhoek – Franschhoek, Cape Town 2007 • Gallery on the Side, Fourways – Johannesburg 2008 & 2009 In 2009 Frank Ross had an opening night sell-out exhibition in Switzerland at which he sold 34 artworks at a total value of ZAR 2.9 million. Frank’s work features in several notable corporate and private collections including those of the South African National Treasury, Western Cape Provincial Cabinet, Steven A. Einehof (Chief of Staff for the House Democratic Leader in Washington DC) and Trevor Manuel (former South African finance minister).
Friedo Stucke
Gabriele Thompson Der Habitus von Menschen, ihre Geschichte(n) und ihre Umwelt beschäüftigen mich immer wieder. Eine meist surrealistische Umsetzung, vorzugsweise mit Ölfarben, ermöglicht mir, Dinge auf bestimmte Weise zu spiegeln.
Gretha Helberg ARTIST STATEMENT: I guess I can say I enjoy to create, whether it is an oil painting or an etching, it does not really matter what I am creating, as long as I enjoy what I am doing. I think it is the whole process of being immersed in my work while creating it, my eyes see something, my heart gets a feeling for the subject and then, the final stage, my hands make the artwork. Life inspires me - people around me, the beauty of God's creations - I try to capture this all in my art. MY WORK: I mainly print limited edition polymer etchings in my home-based printmaking studio and paint atmospheric seascapes and landscapes in oil on canvas. PUBLICATIONS: My atmospheric seascapes were selected by a jury to be published in Internationale Kunst Heute 2015.Only 127 carefully chosen contemporary artists from 48 countries were selected for this prestige publication, launched at ARTMUC in München in May 2015. My name is listed in Art in America Annual Guide 2015, the release date of this prestige publication was August 2015. www.grethahelberg.com
Gun Streland 1974 bekam ich vom Kästner-Museum in Hannover einen Auftrag, als Zeichner bei einer Ausgrabung in Sakkara (Ägypten) mitzuwirken. Dieser Aufenthalt in Ägypten hat einen unauslöschlichen Eindruck bei mir hinterlassen und wirkt bis heute fort. Die Arbeit in der Ausgrabung mit den Einheimischen Arbeitern war eine großartige Erfahrung für mich. Die Menschen, mit denen ich tagtäglich zu tun hatte, waren so freundlich und fröhlich, dass jeder Tag bei der Arbeit in glühender Hitze durch diese Menschen überhaupt für mich möglich war. Die Kunst der alten Ägypter, mit der ich ja nun Tag für Tag beschäftigt war, hat mein künstlerisches Schaffens bis heute inspiriert. Ich freue mich bei dieser Ausstellung, einige meiner durch den Aufenthalt in Ägypten entstandenen Arbeiten zeigen zu können.
Heike E. M. Lauterbach
Hermann Weber
Horst Poppe
Jemmiro About My Work I am inspired by daily questions and answers, human expressions and beauty; the unreliable world we live in; human life, humour, fantasies and dreams. I paint/ draw imaginary figures; some suggested, some realistic; I enjoy abstraction and placing this figures in evocative surreal atmospheres, which allows for primeval myths to surface; their humour and questions. In paintings, I enjoy mixed medium, which so often results in chances "wow", moments of surprise. I manipulate the subject or the placement of the subject in most of my paintings, in order to bring out the elements mentioned above: myth, humour and questioning. My colleagues often remark on what they call my "odd" approach to colour combinations; I believe this add a certain vibrancy to my work. I also often use undefined shapes, which I achieve by approaching line in an abstract manner. I like to draw the eyes into the depths of the painting; into strange, dreamy, mythological spaces; to afford the viewer’s moments of fantasy, and pleasure; to provoke emotions and feelings! Sometimes nostalgia surfaces... In the course of time, some elements in my works opened doors to seek understanding regarding diversity of human nature as well as the adaptability: I believe that we are far stronger than what we give ourselves credit for… we are intelligent beyond measure. These aspects can be found in the complexity of some elements.
João Fornasini
Joe Mutasa
Jolade I am currently based in Ibadan in the republic of Nigeria where I teach, study, Illustrate, write and read. I graduated from the Obafemi Awolowo University, Ile Ife with a degree in Fine Arts and at the top of the painting class in 1999. Since then, I have taught art and design in four international schools in Nigeria, Oman and Tanzania. During this time, I continue work as much as I can and I simply can’t stop. My art reflects the state of my mind because I am an incurable optimist. I love and incorporate heavy decorations, opulence, wilful distortion, nature, and rhythm in my pieces. My Art draw inspirations from Yoruba aesthetics in sculpture, textiles, culture, philosophy in intricate and delicate lines and forms. I believe in the images in my mind; images of beauty, peace, wealth and opulence are real. One could say that when it comes to my art, I am in a fantasy world constantly. I paint events and images that I want to see in real life. . My favourite mediums to work with for now are all unapologetically conversional. They include watercolour, Ink, Acrylics, pastels and oils.
Judith Przigoda Kunst, Wissenschaft und das Universum - das sind die Dinge, die von Bedeutung sind. Die Kunst begleitet mich seit frühester Kindheit. Seit ich einen Stift halten kann, schreibe und male ich. Genauso groß ist aber auch mein Hunger nach Wissen, und so ist dies eine von zwei Seiten. Die eine ist Ingenieurin und baut Satelliten, während die andere die Welt entdeckt und auf Leinwand oder zwischen Buchdeckel bannt. Was mich fasziniert, sind Veränderungen, Entscheidungen, der Wille des Einzelnen. Warum verzagen einige Menschen, während andere immer weiter gehen? Meine Gemälde und Geschichten sind Personen, Situationen oder Stimmungen gewidmet, die Menschen verändern, die fordern, zu Erkenntnis und Weiterentwicklung zwingen. Die Entdeckung der Welt und des eigenen Ichs, dessen, das über die physische Welt hinausgeht, ebenso wie der sichtbaren Dinge, ist es, was meine Kunst bestimmt. Wer sind wir - und vor allem: wer wollen wir sein?
Jutta Freund Seit 2010 arbeite ich mit Omari Chenga, Tansania per Internet . Omari hat meine Bilder in einer Internet-Galerie gesehen und wünschte sich, dass ich ihm die europäische Malerei näherbringe. Er malt nach Fotos von hier, die ich ihm schicke und hatte den Auftrag für ein Bild der Geesthachter Bücherei erfolgreich erfüllt (Verkauf). Die Lüneburger Sparkasse hat 2013 den Flug etc. gesponsert und er war bei uns im Mai 2013 für 4 Wochen: Während dieser Zeit gemeinsame Ausstellung in der Domäne Scharnebeck und 2 Workshops. Als gebürtige Hamburgerin liebe ich Hamburg-Motive. Für eine gemeinsame Ausstellung habe ich vorgeschlagen, dass Omari ein Bild vom Hafen BagamoyoTansania als Pendant zu meinen HH Hafenbildern malt. Diese Bilder sind in der Anlage sowie seine phantasievollen afrikanischen Bilder. Nachfolgend ein Video über unsere Zusammenarbeit: www.youtube.com oder (Jutta Gehrke 15 strasse "Malen macht Freu(n)de") Meine Vita und weitere Kunstwerke finden Sie unter www.juttagehrke.de Pendant-Bilder: Hafen Hamburg / Hafen Bagamoyo Aenne / little massai
Kakokama Kweli Für den 1910 in Angola geborenen Kakoma Kweli fand der Akt der Bildhauerei kaum statt, trotzdem sind seine Steine unzweifelhaft Skulpturen, vielleicht zeitgenössische Artefakte, aber Skulpturen nach Form und Gehalt. Kweli begann erst im Alter von 70 Jahren als Steinbildhauer zu arbeiten, zuvor hat er sich hauptsächlich auf die Gestaltung von Gesichtsmasken konzentriert. Bis zu seinem Tod 1995 erfuhr er große Erfolge im In –und Ausland. Als ehemaliger Ahnen-Tänzer hatte er ein ausgeprägtes Gefühl für Bewegung und Spannkraft. So ist es die Nähe von Tanz und Bildhauerei, die Gestaltung einer bestimmten Form von Körperlichkeit in Raum und Zeit, die er in reduziertem Formenvokabular zur Meisterschaft führte.
Karin Sippel
KWAKU "25 Jahre KWAKU oder was mich bewegt: Recycling-Art zwischen Afrika und Deutschland eine Liebe und Freundschaft zwischen den Kulturen und wie die Agenda 21 mich verändert hat. Stahl, Stahl,Stahl und immer wieder Holz bis zum Verbrennen Naturharzöl mit Pigmenten und Acrylfarben. Von der Skulptur zur Installation. Von der LandART bis zum Selbstbildnis für Drinnen und Draußen."
Marion Nyanhougo
mattias bischoff
Maureen Quin und andere "Art from South Africa to Europe"
Mitsch Realer Relativismus Eine Anspielung auf die unterschiedliche Sicht der Dinge.
Nellien Brewer My work deals with the complexity of nature, juxtaposed against the philosophies and worldviews developed by humankind. I love the African bush and its inhabitants - especially those intricate systems that are all around us, but often go unnoticed - eg lichen, termites, nests. In my work I use digital text as a metaphor for complexity. Digital drawing facilitates a level of detail impossible to achieve by hand, and evokes the (often invisible) intricacies of natural systems.
Odo Rumpf
Odo Rumpf
Olawunmi Banjo I have a keen interest in observing people and existence because understanding the purpose of existence is a challenge faced by young and old. Anything can exist in this world but what makes your life significant is Purpose. I create Paintings that empower the mind of the viewer to comprehend and have visual conversation with their mind and thoughts. Art and Nature has profound ways of speaking to your innermost essence. Your greatest aptitude which lies within you can be actualized regardless of the circumstance, as you consciously thrive when you discover the strength and ability you hold within.
Omari A. Chenga
Osemwegie Vincent Artist statement Surrounded by the beauty, in my day to day observations, I paint mostly figurines and landscapes. My technique being very expressive, I create images by dripping paints over my canvas/perspex. The manner in which I move my brush over my work surface is responsible for the variation in line sizes which make my paintings unique. My mixed media on Perspex works are created by dripping enamel paint on the front side of the Perspex and attaching newspaper/magazine cutouts on the other side of the Perspex, using transparent enamel paint as a suitable adhesive. The fluidity in my brush dripped lines represents life’s rigors, happiness and celebration. The stitches running through all my paintings talk about my belief in making right, to our best capabilities, the wrong things we come across in life, before considering the option of discarding them. In my works, the issues surrounding identity, both real and superficial cannot be over emphasized. Centered mostly on social matters and sometimes hinging on politics, my art talks about remembering the past, living the present whilst considering an inevitable future. Inspired by Kitty Phetla, SA’s most famous ballet dancer, my body of works on ballerinas simply addresses the issue of small beginnings that is often times overlooked by youngsters who are aspiring to succeed in life. I believe art is spiritual and I acknowledge God as my sole inspiration.
Otu Tetteh
Pumba Victor Arsène Amoussou Hounhonenon, geboren 1982, kommt ausrelativ armen Verhältnissen. Mit fünf Jahren stellt er bereits seine eigenen Spielzeuge auf der Grundlage von Draht und diversen anderen wiederverwertbaren Materialien her. „Pumba“ beginnt schon während seiner Schulzeit als Transporteur und Kofferträger zu arbeiten, angetrieben von seiner Natur sich durchzuschlagen, und aufgrund der fragilen finanziellen Situation seiner Familie. Seine künstlerischen Fähigkeiten erblühen später durch die Arbeit auf dem Centre de Promotion de l’Artisanat (CPA)/Kunsthandwerkermarkt von Cotonou, Benin, die eine zufällige Bekanntschaft ihm verschafft. An diesem Ort entwickelt er sich zu dem Künstler, der er heute ist. Er ist umgeben von vielen verschiedenen Kunstsparten und Künstlern, die ihn inspirieren. Vor allem die Malerei lässt sein Herz höher schlagen. Pumba beginnt seine Karriere als Künstler quasi als Autodidakt, bereichert vom Austausch mit anderen Künstlern. Wichtig sind ihm vor allem Themen wie der Respekt der Natur und die Rechte der Frau, mit welchen er die Menschheit und Afrika durch seine Werke beeinflussen will. Pumba zögert nicht, alle möglichen Materialien wiederzuverwenden, um seine Kreationen lebendig werden zu lassen, z.B. Knochen, Konservendosen, Metall, Plastik und verschiedene andere. Diese fügt er seinen Gemälden je nach Farbgebung hinzu. Die Betrachtung von Pumbas Werken gleicht zweifellos einer sensationellen Reise durch das Universum der Farben und der Philosophie, die Seite an Seite in einer großartigen Harmonie miteinander regieren.
Quin Maureen
Reiner Madena Mit Kettensäge, Beitel, Stecheisen und verschiedenen Schleifgeräten und letztendlich in reiner Handarbeit, schaffe ich Skulpturen aus meistens heimischen Holzarten. Bäumen, die oft 30 – 40 Jahre oder sogar länger gelebt, die unsere Luft gesäubert, uns Schatten und Trost gespendet haben, versuche ich ein weiteres zusätzliches Leben einzuhauchen, in dem ich meine Empfindungen auf das Holz bildhauerisch übertrage. Menschliche Emotionen und die Natur inspirieren mich zu meinen amorphen, teilweise abstrahierte gegenständlichen Skulpturen. Ein anderes Bedürfnis für mich ist die Bewegung, sprich Spünge, Pirouetten oder das Auf und Ab, in Form zu bringen. Ich bin immer auf der Suche. Meine Neugierde treibt mich zu immer neuen Arbeiten und wenn dann das vollendete Werk beim Betrachter positive Reaktionen hervorruft, dann habe ich viel erreicht.
Saah Konjorlloe Holz lebt
Sahab Koanda
Sahab Koanda
Samuel Fleiner Ich beschäftige mich seit 30 Jahren mit Kunst im Kontext von Umwelt- und Nachhaltigkeitsthemen.
Stanford Fata
Stanford Fata Stanford Fata wurde 1958 in Murewa, Simbabwe geboren und von 1997 bis 2000 von seinem Cousin, dem international bekannten Steinbildhauer Arthur Fata, im renommierten Skulpturengarten Chapungu von Roy Guthrie in Harare, Simbabwe ausgebildet. Er lebt und arbeitet seit 2006 als freischaffender Künstler in Heidelberg, ist Mitglied im Heidelberger Forum für Kunst/BBK Heidelberg und stellt seit 20 Jahren regelmäßig im In- und Ausland aus. Bildliche Elemente aus der Kunsttradition seiner Heimat verbindet Stanford Fata mit europäischen Einflüssen. Die Skulptur entsteht dabei ohne jegliche Vorskizze im Kopf, wird dann direkt aus dem dafür geeigneten Steinblock manuell herausgearbeitet und teils auf Hochglanz poliert, teils naturbelassen. So entstehen streng konzipierte, ästhetische Skulpturen aus simbabwischem Serpentin, italienischem Marmor oder spanischem Alabaster, die auf spannende Weise Mensch, Flora und Fauna sowie Emotionen und Erlebnisse aus der unmittelbaren Lebenswelt thematisieren.
steph
Stephan Raimund
Tetteh Adom
Thalke Putscher
Tola Wewe Tola Wewes Malerei ist ein Spiegel seiner afrikanisch-Ethnischen Herkunft und Kultur: Er gehört der etwa 28 Millionen Menschen zählenden Volksgruppe der Yoruba an, die vor allem im westlichen Nigeria angesiedelt ist. Ihr fühlt er sich in seiner Arbeit verpflichtet, die er wie Gleichgesinnte als eine Bearbeitung traditioneller Materialien und Methoden, Formen und Stile betrachtet. Seine Identität als Yoruba spielt stets eine leitende Rolle. Naturmythen und Symbole der westafrikanischen Yoruba -und Oyokulturen sind nach wie vor Grundlage und Inspiration für die neu entwickelten Arbeiten des Künstlers: feinste Linienführung in dicht verwobenen ornamentalen Tuschezeichungen auf farbintesiven Acrylleinwänden übersetzen uralte westafrikanische Mythen , ihre rätselhaften Symbole und Zeichen in eine zeitgenössische globale künstlerische Sprache. Charakteristisch für die Exponate ist einerseits die suggestive Strahlkraft der Farben, die sich mit ihrem ganzen Potenzial entfalten dürfen, andererseits die fast strenge Strukturierung mit Mustern aus geometrischen und organischen Formen, schachbrettartig akribisch zu Serien angeordnet. Wewes Bilder fordern das genaue Hinsehen, den Blick auf die Feinstrukturen, die erst zum eigentlichen Inhalt führen. Sonst sieht man, nach den Worten des Künstlers, nur das, was man sehen möchte. Männer kommen übrigens in Wewes Werk direkt nicht vor. Wie der Künstler sagt, möchte er nur von der Schönheit der Frauen malen und sie damit stärken und ehren. Es seien vor allem Frauen und Kinder gewesen, die in der Vergangenheit leiden mussten – durch die Kriege der Männer.
Toni Hinck Der Intuition folgen und die Bilder entstehen lassen wie bei Picasso, der sagte „Ein Bild ist nicht von vornherein fertig ausgedacht und festgelegt. Während man daran arbeitet, verändert es sich in dem gleichen Maße wie die Gedanken. Und wenn es fertig ist, verändert es sich immer weiter, entsprechend der jeweiligen Gemütsverfassung desjenigen, der es gerade betrachtet...“ ….das macht die Kunst aus. Kunst muss von innen kommen und die Seele berühren! Erklären muss ich die Bilder nicht. Das Gemalte bedarf keiner Erklärung wie man auch den Gesang der Vögel nicht erklären muss.
Tracey Armstrong
Wilson Zuze Wilson Zuze wurde im Jahr 1975 in Zimbabwe geboren. Er hat bereits mit 8 Jahren seine erste Ausstellung von Bleistiftzeichnungen. Es folgten in den letzten Jahren viele Ausstellungen und Auszeichnungen. Seine Werke sind lebendige, figurative Malereien in Öl und Acryl. Dabei lässt er sich von den vielschichtigen sozialen Aspekten des afrikanischen Lebens inspirieren und thematisiert das Alltagsleben sowohl in der Stadt als auch in ländlichen Gebieten. Er malt häufig populäre Orte wie Felder und Märkte und erzählt Geschichten aus der heutigen Zeit Simbabwes, die nichtsdestoweniger zeitlos sind und ihre ganz eigene Sprache haben. Mit schnellen Pinselstrichen verzaubert er den Betrachter und führt ihn in eine Welt, die berauscht ist von Farbe.